Entrevista a Martín Hodara, director de Nieve Negra

El próximo jueves se estrena «Nieve negra«, un nuevo tanque del cine argentino con Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia y Laia Costa («Palmeras en la nieve»), entre otros. Desde Revista Toma 5 pudimos entrevistar a Martín Hodara, quien se estrena como director en solitario de un largometraje, tras haber rodado «La Señal» junto a Darín en 2007.
Es pleno verano, el clima de Buenos Aires no se parece en nada al crudo invierno de Andorra, principado independiente ubicado entre España y Francia. En ese lugar donde mandan los Pirineos y sus tormentas de nieve fueron filmadas la mayoría de las escenas que narran este thriller psicológico que atrapa de principio a fin. Su director, tiene solo un día para recibirnos antes del estreno, entre viaje y viaje. Esa tarde de enero, antes de subirse nuevamente a un avión, Martín Hodara nos recibe en su productora.

– ¿Cuando pensás en el estreno que se te pasa por la cabeza?

–  Que termine pronto (se ríe), si nada que pase, que de una vez por todas pase.

– ¿Qué se va a encontrar la gente cuando vaya al cine?

– Uf difícil de contestar. Una película que tiene tres grandes actores como protagonistas, primero, y después una película que está pensada para entretener a la gente. Entretener no en el sentido de comedia sino que las personas se sienten en el cine y vean una historia que de comienzo a final les guste.

– ¿Hace cuánto que la historia de Salvador (personaje interpretado por Darín) y su familia existe en tu cabeza o en la de Leonel D´Agostino?

– Mirá el otro día haciendo repaso con Leonel, la primera vez que yo le conté la historia fue en el 2010 o antes. Hay una fecha concreta que es cuando Ricardo estaba filmando «Carancho», la película de Pablo (Trapero), en una de esas jornadas de filmación, el día del cementerio que se les inundó y tuvieron un montón de quilombos, Ricky tuvo un tiempo libre, leyó el primer draft y antes de eso, no sé debemos haber estado escribiendo dos o tres años más. La historia empezó con una idea que yo tuve, se la conté a él y a Lucía Puenzo primero porque ellos trabajaban juntos. De hecho yo no lo conocía a él, la conocía a Lucía y ellos escribieron una especie de sinopsis larga y no nos terminaba de cerrar, no descubríamos donde era que terminaba de redondearse y lo dejamos. Y después de un par de años, releyendo y buscando cosas, proyectos, lo leí y me di cuenta lo que no funcionaba de la historia esa. Lucía estaba filmando una película, y entonces le avisé que lo iba a seguir con Leo, y ahí nos sentamos los dos en el largo trabajo de escribir.

– A ver si coincidís con nosotros: La película tiene muy buen clima, una primera hora muy constante donde el montaje, los flashbacks, la música, el escenario te mantiene muy adentro de la historia. Si tuvieras que destacar el trabajo desde lo visual, ¿qué aportan a la trama los vfx o la postproducción?

– No, a ver…Una película es todo, es un arte completo. Desde un «Star Wars» hasta una película de Tarkovski. Tanto la imagen como el sonido, la música, el montaje, todo eso conforma una película. Para mí aquellas películas donde lo visual va por encima de la historia o de otras cuestiones técnicas a mí no me terminan de cerrar. Uso la palabra gustar porque me parece un término fundamental. A mí me parece que las películas tienen algo que tiene que ver con el gusto de cada uno es intrínseco al arte, o a las películas.
Después la película tiene un trabajo de imagen muy concreto que desde el principio dijimos con el director de fotografía: “queremos que sea una película clásica”. No hay una sola cámara en mano que es algo muy usual últimamente, lo nuestro fue todo una puesta clavada, no hay nada librado al azar. De hecho hay un par de planos secuencia donde la cámara se mueve pero casi no te das cuenta. Y después todo este trabajo entre el pasado y el presente, unirlo en las mismas tomas sin cortar, tenía que ver un poco desde la realización con esa sensación que quería transmitir en la película donde este personaje (Sbaraglia) vuelve a encontrarse con su hermano. Lo hace en un lugar en medio de la nada donde vivían desde chicos, y cuando él empieza a entrar en ese mundo el pasado y el presente empiezan a convivir. Una forma narrativa de decir “a este personaje le pasa esto”.

Digo lo del personaje porque tiene que ver con lo que ustedes sintieron con la película, que me parece que es acertado. La película es una película de personajes. Por eso la idea mía siempre fue dejar que los personajes estén y no que la cámara esté en función de los personajes. De hecho, una de mis escenas preferidas es una cena que tienen los tres protagonistas, en donde hay muy pocos cortes. Hay un plano abierto, y un primer plano de cada uno y muy poco corte. Es una escena que dura unos seis o siete minutos y la primera toma de esa escena dura dos minutos y medio. ¿Por qué es así? Porque es una película de personajes, y además los tres están tan bien en la escena como un “esgrimeo” entre tres grandes actores mostrando todo, sin que el cine te falsee lo que ellos están actuando.


– Hablemos un poco de tu trayectoria: ¿Qué representa en tu carrera Fabián Bielinsky?

– Y Fabi primero que era un amigo. Era tan amigo –siempre cuento esta anécdota- que cuando él iba a hacer «Nueve Reinas», guión que yo había leído varias veces porque estábamos haciendo una película juntos, un día me llama y me dice: “Mirá estoy buscando asistente de dirección pero no quiero hacerlo con vos porque somos amigos, y vos tenés un carácter de mierda y yo también, nos vamos a pelear, y no me quiero pelear por una película”. Yo le dije que no sea boludo que iba a estar todo bien. De hecho nos peleamos solo dos veces, peleas fuertes pero seguimos siendo amigos después. Fabi era como un maestro. Él otro día estaba leyendo una nota de él, y es gracioso porque da una descripción de «Río Místico» porque estaban comentando una crítica sobre ese film, en donde el autor de la nota decía que tenía fallas en lo policial. Y Fabián le dijo lo que pasa es que no es un policial, es una tragedia embestida de policial. Y un poco «Nieve negra» tiene que ver con eso. Yo nunca lo había leído eso pero como hablábamos mucho con Fabi de cine quizás eso me quedó impregnado. Para Leonel y para mí «Nieve negra» siempre fue una tragedia.


– ¿Cómo ves el momento actual del cine argentino? ¿Cuán complejo o factible es hacer cine en nuestro país?

– Hacer cine es complejo en cualquier lugar del mundo, eso te lo puede decir cualquier productor. Porque la gente va menos al cine. Es muy difícil conseguir la plata para filmar. Igual yo creo que la cuestión técnica, permite que cualquiera pueda hacer una película con una cámara de video. «Monsters», que es la del mismo director que ahora filmó «Rogue one» (Gareth Edwards). La hizo con una cámara, y los vfx los hizo, está bien el tipo hace 20 años hace eso…Digo es complicado, las series cada vez son más y más profesionales y se ven mejor, eso atenta un poco, que creo también tiene que ver con los tiempos que vivimos. La gente tiene 45 minutos cuando se tira en la cama a ver algo y no quizás no tiene tiempo o no lo usa para pasar dos horas en un cine.

De cine argentino no veo tanto como debería, ni siquiera como quisiera (se ríe). Me parece que se hacen cosas que son interesantes. Fabián empezó toda esta hilera de películas de género, que no pueden ser de autor. Creo que se lograron en todos estos años varias que son interesantes. La película de Szifron es un poco mezcla entre género y autor, y también habría que definir uno y otro porque no queda claro dónde está el límite. Todo es necesario, es necesario tener películas de autor como por ejemplo el cine de Mariano Llinás, que a mi me encanta, que creo ni recibe plata del INCAA a lo otro, a cosas que incluso yo ni vería pero que está bien que existan. Me parece que sería importante hacer una política cultural del cine, que varios países lo han hecho.

¨Nieve negra¨ se estrena en Argentina este Jueves 19 de Enero.

Entrevista publicada en enero de 2017 para Revista Toma 5 en  https://www.revistatoma5.com.ar/entrevista-martin-hodara-director-nieve-negra/

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